LA PRÁCTICA Y LA CIENCIA DEL DIBUJO Comentado por: Pablo Matias Abalo. Docente y artista.

LA PRÁCTICA Y LA CIENCIA DEL DIBUJO

Autor: Harold Speed

Comentado por: Pablo Matias Abalo. Docente y artista.

“La mente del artista no se interesa por las cosas desde un punto de vista de la exactitud mecánica, sino por el efecto que su observación ejerce sobre la conciencia viva, sobre el individuo sensible que hay en todos nosotros.” (Harold Speed)

Me encontré con éste libro de Harold Speed hace ya varios años. En una búsqueda constante por encontrar material de estudio que me ayudara en el camino del aprendizaje autodidacta. Tengo que decir que el profesorado universitario no me enseñó con tanta profundidad a dibujar. Mis ganas incansables de conocer me llevaron a encontrar mucho más, que aquello que me ofreció el paso por un estudio universitario de Arte.

Harold Speed (11 de febrero de 1872 – 20 de marzo de 1957) fue un destacado pintor, retratista y teórico del arte británico cuya obra unió las tradiciones académicas del siglo XIX con las sutiles influencias del impresionismo y las corrientes modernas. Speed dejó un legado imperecedero como educador y escritor mediante sus manuales técnicos.

Uno de sus legados “La práctica y ciencia del dibujo" (1913) revolucionó la pedagogía del arte al defender el dibujo como el pilar de toda creación visual, ayudando a los estudiantes a aprender a observar de manera analítica.

En éste breve artículo haré referencia a solo algunos conceptos básicos de su libro. Desde ya, cómo profesor que soy, los invito a leer y estudiar el libro completo. Es muy bueno.

Según el autor, por dibujo se debe entender la expresión de la forma sobre una superficie plana. Para un artista hay dos aspectos desde los cuales puede ser percibido el mundo, el primero es valerse de las líneas de contorno para delimitar los objetos. El segundo tiene que ver con la percepcion de los objetos tal como se expresan a nuestra retina, a traves de manchas de color. Estos dos aspectos están íntimamente relacionados y nos ofrecen dos puntos de vista desde los cuales podemos encarar el estudio del dibujo.

La fuerza emotiva de un dibujo depende en gran parte de sus líneas, las cuales poseen la facultad de arrastrar la vista dirigiendo la atención del espectador hacia donde uno quiere. Las líneas y sus límites no están claramente definidos, sino fundiéndose continuamente en las masas circundantes, perdiéndose, para volver a aparecer y deshacerse otra vez, expresando a lo largo de éste ritmo, una sensación de armonía.

Por otro lado, si al dibujar utilizamos la mancha como medio de expresión, ella nos permite reducir una imagen complicada a unas cuantas manchas de color, siendo ésto la primera necesidad que siente el artista.

Cómo comenté antes, tanto la línea como la mancha se relacionan entre sí, por lo tanto, al articular ambas, damos un adecuado enfoque de estos dos aspectos, consiguiendo una herramienta fundamental para lograr lo que llamamos ritmo.

El ritmo es la propiedad que tienen las líneas, los tonos, y los colores de afectarnos, al igual que las combinaciones de sonidos en la música. Puede tener dos puntos de vista: unidad y variedad, cualidades que son opuestas entre sí como la armonía y el contraste.

La unidad se refiere a la relación de las partes con la idea total de la obra.

La variedad posee el secreto de la gracia, de la animación, es el juego que debe quedar entre las partes, lo que contribuye a dar vida y carácter.

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